ЭКСПОНЕНТЫ
Надежда Семирог
Современный художник, инсталлятор, г. Москва (Россия)
«Имперский шепот», 2025
Надежду Семирог как питерскую москвичку, родившуюся в Царском Селе, вдохновляют дворцы, парки и барокко, с его объемами, роскошью, изысканностью и витиеватостью.
В работе «Имперский шепот» она переосмыслила вековую роскошь, превратив ее в современную реальность. Золотой цвет, плавные линии, форма — диалог между прошлым и настоящим, между традицией и инновацией. Элементы вместе создают уникальную работу, отражающую историю и культуру, но в современном контексте.
Серия может стать символом дома, напоминая о величии и красоте.
«Прорыв», 2025
В серии «Прорыв» художник обращается к метафоре земного шара, окутанного паутиной зеленых бесценных бумажек. Работа поднимает фундаментальные вопросы: когда материальные ценности заняли первую ступень пьедестала, стали превыше всего? как некогда просто удобная денежная система стала мерилом всего сущего, воды, земли и человеческих свобод? почему она стала диктовать, как жить, с кем дружить, какие идеалы важны? Зеленая паутина опутала весь мир и диктует условия. Необходимо прорвать ее, вернувшись к вечным ценностям.
Эта работа — диагноз эпохе и в то же время манифест надежды, призывающий к сохранению идентичности, самобытности, суверенности, которые нужно передать будущим поколениям.
«Время ДОБРА»
Центральный символ и метафора — Одуванчик: белый, пушистый, воздушный, отдающий всего себя миру, рассеивающий добро повсюду. Чистая и хрупкая фактура цветка способна к невероятной стойкости и возрождению. Добро, как одуванчик, кажется незащищенным, но обладает удивительной жизнеспособностью. Оно пробивается сквозь асфальт, выдерживает бури, разносит семена на огромные расстояния.
Проект «Время ДОБРА» художественно исследует неиссякаемую силу человечности. Доброта — одна из самых ярких черт национального характера, порой граничащей с наивностью. Проект прослеживает путь добра сквозь время, через личные переживания и коллективные трагедии, показывает, как после самых глубоких потрясений мир находит силы возродиться.
Проект состоит из трех взаимосвязанных частей: инсталляции «Сей добро», серии картин «Время ДОБРА», картины «Слезы Земли».
Надежда Семирог
Современный художник, инсталлятор, г. Москва (Россия)
«Имперский шепот», 2025
Надежду Семирог как питерскую москвичку, родившуюся в Царском Селе, вдохновляют дворцы, парки и барокко, с его объемами, роскошью, изысканностью и витиеватостью.
В работе «Имперский шепот» она переосмыслила вековую роскошь, превратив ее в современную реальность. Золотой цвет, плавные линии, форма — диалог между прошлым и настоящим, между традицией и инновацией. Элементы вместе создают уникальную работу, отражающую историю и культуру, но в современном контексте.
Серия может стать символом дома, напоминая о величии и красоте.
«Прорыв», 2025
В серии «Прорыв» художник обращается к метафоре земного шара, окутанного паутиной зеленых бесценных бумажек. Работа поднимает фундаментальные вопросы: когда материальные ценности заняли первую ступень пьедестала, стали превыше всего? как некогда просто удобная денежная система стала мерилом всего сущего, воды, земли и человеческих свобод? почему она стала диктовать, как жить, с кем дружить, какие идеалы важны? Зеленая паутина опутала весь мир и диктует условия. Необходимо прорвать ее, вернувшись к вечным ценностям.
Эта работа — диагноз эпохе и в то же время манифест надежды, призывающий к сохранению идентичности, самобытности, суверенности, которые нужно передать будущим поколениям.
«Время ДОБРА»
Центральный символ и метафора — Одуванчик: белый, пушистый, воздушный, отдающий всего себя миру, рассеивающий добро повсюду. Чистая и хрупкая фактура цветка способна к невероятной стойкости и возрождению. Добро, как одуванчик, кажется незащищенным, но обладает удивительной жизнеспособностью. Оно пробивается сквозь асфальт, выдерживает бури, разносит семена на огромные расстояния.
Проект «Время ДОБРА» художественно исследует неиссякаемую силу человечности. Доброта — одна из самых ярких черт национального характера, порой граничащей с наивностью. Проект прослеживает путь добра сквозь время, через личные переживания и коллективные трагедии, показывает, как после самых глубоких потрясений мир находит силы возродиться.
Проект состоит из трех взаимосвязанных частей: инсталляции «Сей добро», серии картин «Время ДОБРА», картины «Слезы Земли».
Макс Борисов
Художник, кастом-дизайнер, г. Москва (Россия)
Автор работает на пересечении стрит-арта, моды и перформанса. Его знаковый мотив — «глаз» — появляется на зданиях, одежде, обуви, автомобилях. В более поздних работах он расширяет визуальный язык, включая в них портреты, абстракцию, автобиографические сюжеты.
Макс участвует в уличных и выставочных событиях, где кастом-объекты, картины и инсталляции становятся элементом взаимодействия с аудиторией.
Провокационные перформансы Борисова подчеркивают личное и интимное, превращая тело и вещи в арт-объекты. Его творчество передает ироничное отношение к массовой культуре и моде, а также искусственно созданным мифам вокруг известности, брендинга и цифровой идентичности.
Художник, кастом-дизайнер, г. Москва (Россия)
Автор работает на пересечении стрит-арта, моды и перформанса. Его знаковый мотив — «глаз» — появляется на зданиях, одежде, обуви, автомобилях. В более поздних работах он расширяет визуальный язык, включая в них портреты, абстракцию, автобиографические сюжеты.
Макс участвует в уличных и выставочных событиях, где кастом-объекты, картины и инсталляции становятся элементом взаимодействия с аудиторией.
Провокационные перформансы Борисова подчеркивают личное и интимное, превращая тело и вещи в арт-объекты. Его творчество передает ироничное отношение к массовой культуре и моде, а также искусственно созданным мифам вокруг известности, брендинга и цифровой идентичности.
Игорь Гуляев
Дизайнер-кутюрье, г. Москва (Россия)
Новатор меховой моды Игорь Гуляев — основатель модного дома IGORGULYAEV и молодежной линии одежды «GULЯЙ!». Его работы сочетают сложный крой и роскошные материалы, придавая образам театральность.
В созданных им костюмах выступали Уитни Хьюстон, Орнелла Мути, Монсеррат Кабалье, Лара Фабиан, Канье Уэст, Алла Пугачева, Филипп Киркоров.
Гуляев работал в модной индустрии в Болгарии, Греции, Италии. В 2009 году он основал в Санкт-Петербурге модный дом и вскоре вывел коллекции на Недели моды в Милане, Дубае, Москве, став одним из первых российских дизайнеров, презентовавших свои работы на международных площадках.
Кутюрье позиционирует моду как продолжение театра и кино, а его показы часто напоминают спектакли с продуманной сценографией и драматургией.
Дизайнер-кутюрье, г. Москва (Россия)
Новатор меховой моды Игорь Гуляев — основатель модного дома IGORGULYAEV и молодежной линии одежды «GULЯЙ!». Его работы сочетают сложный крой и роскошные материалы, придавая образам театральность.
В созданных им костюмах выступали Уитни Хьюстон, Орнелла Мути, Монсеррат Кабалье, Лара Фабиан, Канье Уэст, Алла Пугачева, Филипп Киркоров.
Гуляев работал в модной индустрии в Болгарии, Греции, Италии. В 2009 году он основал в Санкт-Петербурге модный дом и вскоре вывел коллекции на Недели моды в Милане, Дубае, Москве, став одним из первых российских дизайнеров, презентовавших свои работы на международных площадках.
Кутюрье позиционирует моду как продолжение театра и кино, а его показы часто напоминают спектакли с продуманной сценографией и драматургией.
Жан-Пьер Брюстье
Художник, г. Тулуза (Франция)
Художник-самоучка Жан-Пьер Брюстье родился на юге Франции. Парадоксально, но именно глубокая связь с родной землей стала отправной точкой его странствий.
Движимый любопытством к миру, он отправился в путешествие по пяти континентам, стремясь погрузиться в разные культурные и социальные контексты. Работая с наиболее уязвимыми сообществами, в 1993 году он получил символические ключи от Детройта (штат Мичиган, США). До него среди французов такой чести удостаивался лишь Жак-Ив Кусто, также ставший почетным гражданином этого города.
Творчество Брюстье сосредоточено на живописной экспрессии и идее возрождения. В его работах развиваются темы связей, переходов, лиц-масок, раскрывающих человеческую природу, а также мотивы «потустороннего». Его искусство можно рассматривать как попытку через духовный опыт преодолеть восприятие разобщенного человечества.
Произведения Брюстье представлены в музейных собраниях и частных коллекциях по всему миру.
Художник, г. Тулуза (Франция)
Художник-самоучка Жан-Пьер Брюстье родился на юге Франции. Парадоксально, но именно глубокая связь с родной землей стала отправной точкой его странствий.
Движимый любопытством к миру, он отправился в путешествие по пяти континентам, стремясь погрузиться в разные культурные и социальные контексты. Работая с наиболее уязвимыми сообществами, в 1993 году он получил символические ключи от Детройта (штат Мичиган, США). До него среди французов такой чести удостаивался лишь Жак-Ив Кусто, также ставший почетным гражданином этого города.
Творчество Брюстье сосредоточено на живописной экспрессии и идее возрождения. В его работах развиваются темы связей, переходов, лиц-масок, раскрывающих человеческую природу, а также мотивы «потустороннего». Его искусство можно рассматривать как попытку через духовный опыт преодолеть восприятие разобщенного человечества.
Произведения Брюстье представлены в музейных собраниях и частных коллекциях по всему миру.
Юлия Бессараб
Художник, г. Санкт-Петербург (Россия)
Практика автора соединяет традиции академической школы и интерес к образу человека в искусстве. В своих работах Юлия Бессараб обращается к теме женской красоты — одним из ключевых направлений творчества стали портреты, в которых внимание сосредоточено на характере, эмоциональном состоянии, тонких психологических оттенках образов.
Юлия Бессараб окончила Санкт-Петербургское художественное училище им. Н.К. Рериха по квалификации «художник-реставратор», а также Ленинградский государственный университет имени А.С. Пушкина по специальности «преподаватель изобразительного искусства». Участвовала в реставрации икон музейного фонда национального парка «Кенозерский» и в реставрационных работах Дворца Петра III в Ломоносове.
Автор состоит в Союзе русских художников, преподает в художественной мастерской Miloart в Санкт-Петербурге. Ее творческая и выставочная биография включает совместную выставку «Я и мой ученик» в Дудинке, призовое место в региональном туре X Молодежных Дельфийских игр России, авторские выставки «Магия цвета» и «О чем поет душа художника», а также персональный проект «Атлас Таинственной красоты» на арт-фестивале «Гардарика» в Нальчике.
Художник, г. Санкт-Петербург (Россия)
Практика автора соединяет традиции академической школы и интерес к образу человека в искусстве. В своих работах Юлия Бессараб обращается к теме женской красоты — одним из ключевых направлений творчества стали портреты, в которых внимание сосредоточено на характере, эмоциональном состоянии, тонких психологических оттенках образов.
Юлия Бессараб окончила Санкт-Петербургское художественное училище им. Н.К. Рериха по квалификации «художник-реставратор», а также Ленинградский государственный университет имени А.С. Пушкина по специальности «преподаватель изобразительного искусства». Участвовала в реставрации икон музейного фонда национального парка «Кенозерский» и в реставрационных работах Дворца Петра III в Ломоносове.
Автор состоит в Союзе русских художников, преподает в художественной мастерской Miloart в Санкт-Петербурге. Ее творческая и выставочная биография включает совместную выставку «Я и мой ученик» в Дудинке, призовое место в региональном туре X Молодежных Дельфийских игр России, авторские выставки «Магия цвета» и «О чем поет душа художника», а также персональный проект «Атлас Таинственной красоты» на арт-фестивале «Гардарика» в Нальчике.
Дарья Санатина
Художник, перформер, г. Москва (Россия)
Дарья Санатина — художник и писатель, лауреат всероссийских и международных конкурсных выставок, создатель сети арт-студий и бренда «Смотри внутрь». Она входит в список лучших современных художников России по версии ARTeex и состоит в Ассоциации Евразийского художественного союза.
В своей практике Дарья Санатина развивает авторскую технику «скульптурной живописи», формируя новое направление в современном искусстве. Художница также работает с перформансом и создает картины с закрытыми глазами.
Работы автора представлены в частных коллекциях, среди владельцев — народный артист России Филипп Киркоров, коллекционер Сергей Шмотьев, помощник президента Азербайджана Анар Алекперов.
Художник, перформер, г. Москва (Россия)
Дарья Санатина — художник и писатель, лауреат всероссийских и международных конкурсных выставок, создатель сети арт-студий и бренда «Смотри внутрь». Она входит в список лучших современных художников России по версии ARTeex и состоит в Ассоциации Евразийского художественного союза.
В своей практике Дарья Санатина развивает авторскую технику «скульптурной живописи», формируя новое направление в современном искусстве. Художница также работает с перформансом и создает картины с закрытыми глазами.
Работы автора представлены в частных коллекциях, среди владельцев — народный артист России Филипп Киркоров, коллекционер Сергей Шмотьев, помощник президента Азербайджана Анар Алекперов.
Елена Истомина
Художник, г. Таганрог (Россия)
В своих живописных работах Елена Истомина стремится передать красоту и гармонию окружающего мира. Величие природы побуждает задуматься о том, как важно сохранить ее богатое и хрупкое наследие для будущих поколений.
Елена Истомина — почетный член Международной академии современных искусств, Творческого союза художников России, Союза русских художников, Евразийского художественного союза; победитель всероссийских и международных конкурсов, ведет активную выставочную деятельность. Ее произведения представлены в частных коллекциях в России, Европе, США.
Награждена серебряной медалью международного конкурса Art Excellence Awards. Работы автора вошли в каталог мастеров «Христианское искусство — 2024», изданного при поддержке Московской Патриархии Русской православной церкви и Святейшего Патриарха Московского и всея Руси Кирилла.
Художник, г. Таганрог (Россия)
В своих живописных работах Елена Истомина стремится передать красоту и гармонию окружающего мира. Величие природы побуждает задуматься о том, как важно сохранить ее богатое и хрупкое наследие для будущих поколений.
Елена Истомина — почетный член Международной академии современных искусств, Творческого союза художников России, Союза русских художников, Евразийского художественного союза; победитель всероссийских и международных конкурсов, ведет активную выставочную деятельность. Ее произведения представлены в частных коллекциях в России, Европе, США.
Награждена серебряной медалью международного конкурса Art Excellence Awards. Работы автора вошли в каталог мастеров «Христианское искусство — 2024», изданного при поддержке Московской Патриархии Русской православной церкви и Святейшего Патриарха Московского и всея Руси Кирилла.
Роман Резницкий
Художник, г. Москва (Россия)
Автор позиционирует себя как художника, создающего визуальную философию, — его произведения ориентированы на думающую и взыскательную аудиторию.
В основе творчества Резницкого — яркий эротичный поп-арт, метафорично представляющий суть современного общества. Позже художник развивает дот-арт как более сдержанный, минималистичный язык: черно-белые, лаконичные картины, где главный персонаж и смысловая точка отсчета — изображение Глаза, символизирующего новый взгляд на мир. Все картины имеют квадратный формат, а фактурные мазки придают им сложную многослойную текстуру.
Работы Резницкого экспонировались на международных площадках: Salon International в Париже, галереи Altmans Gallery (Тель‑Авив и Москва), FINEART gallery, Art It Easy gallery в CUBE, Frida Fine Arts Gallery, Nikolskaya Gallery, Art.Who.Art, «Артмуза», Lampa Studio, Metropolis Gallery (Санкт‑Петербург), THEART Gallery в Лондоне. Художник делал коллаборации с Wines of Germany, Centrsvet, Inshaker Cocktails, 8 Selection, Sochi Marriott, Feight, Cube.Moscow, МТС, A101. Участник eventi collaterali Венецианской биеннале.
Художник, г. Москва (Россия)
Автор позиционирует себя как художника, создающего визуальную философию, — его произведения ориентированы на думающую и взыскательную аудиторию.
В основе творчества Резницкого — яркий эротичный поп-арт, метафорично представляющий суть современного общества. Позже художник развивает дот-арт как более сдержанный, минималистичный язык: черно-белые, лаконичные картины, где главный персонаж и смысловая точка отсчета — изображение Глаза, символизирующего новый взгляд на мир. Все картины имеют квадратный формат, а фактурные мазки придают им сложную многослойную текстуру.
Работы Резницкого экспонировались на международных площадках: Salon International в Париже, галереи Altmans Gallery (Тель‑Авив и Москва), FINEART gallery, Art It Easy gallery в CUBE, Frida Fine Arts Gallery, Nikolskaya Gallery, Art.Who.Art, «Артмуза», Lampa Studio, Metropolis Gallery (Санкт‑Петербург), THEART Gallery в Лондоне. Художник делал коллаборации с Wines of Germany, Centrsvet, Inshaker Cocktails, 8 Selection, Sochi Marriott, Feight, Cube.Moscow, МТС, A101. Участник eventi collaterali Венецианской биеннале.
Илья Цхурбаев
Художник, г. Москва (Россия)
Выходец из творческой семьи Илья Цхурбаев получил классическое художественное образование и работает в традиционных живописных техниках, обращаясь к теме Кавказа. В своих произведениях он стремится раскрыть многогранность региона и историю предков, избегая клише и стереотипов, формируя собственный художественный язык.
Хотя Илья родился и вырос в Москве, он часто проводил лето на родине родителей — среди горного воздуха и живых традиций, которые впитывал с детства. Его полотна передают особое романтическое ощущение каникулы, превращая его в ностальгическое переживание.
Кавказ как культурный феномен раскрывается в его работах через повседневную жизнь обычных людей, что придает его творчеству глубину и подлинность. Обращение к этническим мотивам и национальной идентичности становится важной частью художественного высказывания и вкладом в сохранение наследия региона.
Художник, г. Москва (Россия)
Выходец из творческой семьи Илья Цхурбаев получил классическое художественное образование и работает в традиционных живописных техниках, обращаясь к теме Кавказа. В своих произведениях он стремится раскрыть многогранность региона и историю предков, избегая клише и стереотипов, формируя собственный художественный язык.
Хотя Илья родился и вырос в Москве, он часто проводил лето на родине родителей — среди горного воздуха и живых традиций, которые впитывал с детства. Его полотна передают особое романтическое ощущение каникулы, превращая его в ностальгическое переживание.
Кавказ как культурный феномен раскрывается в его работах через повседневную жизнь обычных людей, что придает его творчеству глубину и подлинность. Обращение к этническим мотивам и национальной идентичности становится важной частью художественного высказывания и вкладом в сохранение наследия региона.
Екатерина Домбровская
Художник, г. Москва (Россия)
Екатерина Домбровская работает на пересечении анимации, иллюстрации и современной живописи. Она окончила Высшее училище анимационной кинематографии «Аргус» и работала в легендарных студиях «Пилот», «Классика», «Союзмультфильм», «Тема» и Christmas Films, участвовала в создании проектов Snow Queen, People, «Тайны леса», «Похититель света», «Элька», «Баба‑Яга и другие», Mabinogi.
Параллельно автор освоила смежные художественные области: окончила Международную школу дизайна интерьера «детали», работала декоратором в архитектурных бюро. Ее интерьерные проекты публиковались в профильных изданиях. Она также получила профессии графического дизайнера и нейрохудожника, что отражается в синтетическом подходе к образу и композиции.
Домбровская регулярно участвует в групповых выставках в Москве, в том числе в современных арт-пространствах, где ее работы представлены в жанрах живописи, графики и принтов, а художественный стиль комментируется как сочетание фигуративности, символизма и наивного мотива.
Художник, г. Москва (Россия)
Екатерина Домбровская работает на пересечении анимации, иллюстрации и современной живописи. Она окончила Высшее училище анимационной кинематографии «Аргус» и работала в легендарных студиях «Пилот», «Классика», «Союзмультфильм», «Тема» и Christmas Films, участвовала в создании проектов Snow Queen, People, «Тайны леса», «Похититель света», «Элька», «Баба‑Яга и другие», Mabinogi.
Параллельно автор освоила смежные художественные области: окончила Международную школу дизайна интерьера «детали», работала декоратором в архитектурных бюро. Ее интерьерные проекты публиковались в профильных изданиях. Она также получила профессии графического дизайнера и нейрохудожника, что отражается в синтетическом подходе к образу и композиции.
Домбровская регулярно участвует в групповых выставках в Москве, в том числе в современных арт-пространствах, где ее работы представлены в жанрах живописи, графики и принтов, а художественный стиль комментируется как сочетание фигуративности, символизма и наивного мотива.
Диана Такмазьян-Сельвян
Художник, г. Москва (Россия)
Художница работает в авторской технике. В своих интерьерных панно и картинах она соединяет декоративную выразительность с вниманием к материалу, создавая произведения из премиальных фактур, в том числе с использованием натурального камня.
Ее практика строится на тонком балансе между художественным образом и предметной средой: работы Дианы органично существуют в интерьере, но при этом сохраняют индивидуальность. В них важны ритм, фактура, ощущение рукотворности, благодаря которым каждый объект воспринимается как уникальный.
Диана участвовала в выставках на ВДНХ, в проекте «Русский Дом» в Москве, в российско-испанской выставке современного искусства Kahlo, а также представляла работы в галереях Сочи, Екатеринбурга, Санкт-Петербурга.
Художник, г. Москва (Россия)
Художница работает в авторской технике. В своих интерьерных панно и картинах она соединяет декоративную выразительность с вниманием к материалу, создавая произведения из премиальных фактур, в том числе с использованием натурального камня.
Ее практика строится на тонком балансе между художественным образом и предметной средой: работы Дианы органично существуют в интерьере, но при этом сохраняют индивидуальность. В них важны ритм, фактура, ощущение рукотворности, благодаря которым каждый объект воспринимается как уникальный.
Диана участвовала в выставках на ВДНХ, в проекте «Русский Дом» в Москве, в российско-испанской выставке современного искусства Kahlo, а также представляла работы в галереях Сочи, Екатеринбурга, Санкт-Петербурга.
Нина Рассен
Художник, скульптор, дизайнер, г. Москва (Россия)
Основательницу авторского направления «Многомерная бионика» и бренда Rassen Art называют «русским Гауди» за выразительный, пластичный и узнаваемый художественный язык. В основе ее практики — идея живой формы, в которой органика, движение, цвет и фактура соединяются в цельный образ. Работы представляют собой самостоятельные художественные миры, в которых важны энергия, символика и эффект погружения.
Нина Рассен — почетный деятель искусств России, член Союза художников России, лауреат международных премий Art Elitarch Awards и Stella Virtuoso, имеет статус сертифицированного художника Akoun.
Произведения Рассен представлены в России и за рубежом: в галереях Испании, Англии, Румынии, Греции. Также ее работы участвовали вернисажах в Москве, Лондоне, Париже, Мадриде, Сантьяго, Инсбруке, Брюсселе, Амстердаме, Монако-Вилле.
Художник, скульптор, дизайнер, г. Москва (Россия)
Основательницу авторского направления «Многомерная бионика» и бренда Rassen Art называют «русским Гауди» за выразительный, пластичный и узнаваемый художественный язык. В основе ее практики — идея живой формы, в которой органика, движение, цвет и фактура соединяются в цельный образ. Работы представляют собой самостоятельные художественные миры, в которых важны энергия, символика и эффект погружения.
Нина Рассен — почетный деятель искусств России, член Союза художников России, лауреат международных премий Art Elitarch Awards и Stella Virtuoso, имеет статус сертифицированного художника Akoun.
Произведения Рассен представлены в России и за рубежом: в галереях Испании, Англии, Румынии, Греции. Также ее работы участвовали вернисажах в Москве, Лондоне, Париже, Мадриде, Сантьяго, Инсбруке, Брюсселе, Амстердаме, Монако-Вилле.
Александр Левченков
Художник, г. Электросталь (Россия)
Александр Левченков следует традициям русской реалистической школы. Его основные специализации — психологический и исторический портрет, а также жанровая и батальная живопись.
Художник получил образование в Федоскинском училище миниатюрной живописи и в Российской академии живописи, ваяния и зодчества. Преподает в Академии акварели и изящных искусств Сергея Андрияки. С 2023 года работает в Студии военных художников имени М.Б. Грекова.
Автор постоянно участвует в выставках, его работы находятся в государственных музеях и частных собраниях России, а также в частных коллекциях США, Китая и других стран.
Художник, г. Электросталь (Россия)
Александр Левченков следует традициям русской реалистической школы. Его основные специализации — психологический и исторический портрет, а также жанровая и батальная живопись.
Художник получил образование в Федоскинском училище миниатюрной живописи и в Российской академии живописи, ваяния и зодчества. Преподает в Академии акварели и изящных искусств Сергея Андрияки. С 2023 года работает в Студии военных художников имени М.Б. Грекова.
Автор постоянно участвует в выставках, его работы находятся в государственных музеях и частных собраниях России, а также в частных коллекциях США, Китая и других стран.
Массимилиано Робино
Художник, дизайнер, г. Виджевано (Италия)
Концептуальные проекты художника охватывают визуальную абстракцию и фигуративное искусство. Он специализируется на разработке инновационных техник и оригинальных художественных исследованиях материалов. Один из наиболее значимых этапов творчества Массимилиано — создание фактурных произведений с использованием техники термопластического сплавления, позволяющей переосмыслить пластические свойства материала и придать произведениям скульптурную выразительность.
На фестивале художник представит новейшее оригинальное направление riflettura, вдохновленное русской культурой. В этих работах, посвященных русскому балету, художник использует изысканные ткани и ценные материалы, включая кожу, применяемую в мебельном производстве и дизайне интерьеров.
Художник, дизайнер, г. Виджевано (Италия)
Концептуальные проекты художника охватывают визуальную абстракцию и фигуративное искусство. Он специализируется на разработке инновационных техник и оригинальных художественных исследованиях материалов. Один из наиболее значимых этапов творчества Массимилиано — создание фактурных произведений с использованием техники термопластического сплавления, позволяющей переосмыслить пластические свойства материала и придать произведениям скульптурную выразительность.
На фестивале художник представит новейшее оригинальное направление riflettura, вдохновленное русской культурой. В этих работах, посвященных русскому балету, художник использует изысканные ткани и ценные материалы, включая кожу, применяемую в мебельном производстве и дизайне интерьеров.
Гоша Камаев
Фотограф, художник, г. Москва (Россия)
В центре художественного высказывания Гоши Камаева — человек как процесс: изменчивый, многослойный, ускользающий от однозначного определения. Автор обращается к состояниям, которые трудно артикулировать, — уязвимости, внутренней свободе, поиску идентичности, моментам становления и перелома. Его работы фиксируют не столько образ, сколько фазу перехода — пограничное состояние, где прежние формы размываются, а новые не обрели устойчивость.
Формальный язык художника подвижен и вариативен. Человеческая фигура в его произведениях может утрачивать четкость, растворяться в пространстве, превращаться в силуэт, след или абстрактную структуру. Свет и цвет не описывают реальность, а задают эмоциональное напряжение, обозначают границы между проявленным и скрытым. Пространство, в свою очередь, становится продолжением внутреннего состояния, усиливая эффект погружения.
Практика Камаева сознательно избегает стилистической фиксации. В его визуальном поле сосуществуют элементы фэшн-фотографии, лайфстайла, документальности, абстракции. Такой подход позволяет художнику сохранять открытость эксперименту и не ограничивать себя рамками одной эстетики.
Фотограф, художник, г. Москва (Россия)
В центре художественного высказывания Гоши Камаева — человек как процесс: изменчивый, многослойный, ускользающий от однозначного определения. Автор обращается к состояниям, которые трудно артикулировать, — уязвимости, внутренней свободе, поиску идентичности, моментам становления и перелома. Его работы фиксируют не столько образ, сколько фазу перехода — пограничное состояние, где прежние формы размываются, а новые не обрели устойчивость.
Формальный язык художника подвижен и вариативен. Человеческая фигура в его произведениях может утрачивать четкость, растворяться в пространстве, превращаться в силуэт, след или абстрактную структуру. Свет и цвет не описывают реальность, а задают эмоциональное напряжение, обозначают границы между проявленным и скрытым. Пространство, в свою очередь, становится продолжением внутреннего состояния, усиливая эффект погружения.
Практика Камаева сознательно избегает стилистической фиксации. В его визуальном поле сосуществуют элементы фэшн-фотографии, лайфстайла, документальности, абстракции. Такой подход позволяет художнику сохранять открытость эксперименту и не ограничивать себя рамками одной эстетики.
Мария Молодых
Художник, г. Москва (Россия)
В творчестве Марии Молодых раскрывается многогранность русской живописи. В нем ярко звучат темы истории и культурной памяти, красоты и душевной глубины человека. В ее работах героини разных эпох, изящные балерины, обитатели провинциальных улочек, натюрморты с букетами и антикварной посудой создают образ цельного и живого мира.
Художник-живописец в четвертом поколении, Мария Молодых сохраняет традиции академической школы. Она преподает в Академии акварели и изящных искусств Сергея Андрияки и работает в Студии военных художников имени М. Б. Грекова, сочетая педагогику, выставочную практику и участие в крупных проектах.
Картины Молодых экспонируются в России и за рубежом. Ее работы входят в коллекции государственных музеев и частных собраний России, США, Канады, Китая, Франции, Исландии, Нидерландов, регулярно публикуются в альбомах, газетах и арт-изданиях.
Художник, г. Москва (Россия)
В творчестве Марии Молодых раскрывается многогранность русской живописи. В нем ярко звучат темы истории и культурной памяти, красоты и душевной глубины человека. В ее работах героини разных эпох, изящные балерины, обитатели провинциальных улочек, натюрморты с букетами и антикварной посудой создают образ цельного и живого мира.
Художник-живописец в четвертом поколении, Мария Молодых сохраняет традиции академической школы. Она преподает в Академии акварели и изящных искусств Сергея Андрияки и работает в Студии военных художников имени М. Б. Грекова, сочетая педагогику, выставочную практику и участие в крупных проектах.
Картины Молодых экспонируются в России и за рубежом. Ее работы входят в коллекции государственных музеев и частных собраний России, США, Канады, Китая, Франции, Исландии, Нидерландов, регулярно публикуются в альбомах, газетах и арт-изданиях.
Марина Овсейчик
Художник, г. Сергиев Посад (Россия)
Марина Овсейчик окончила художественную школу, работала Сергиево-Посадском институте игрушки модельщицей восковых моделей, на Загорской фабрике игрушек художником по росписи высокохудожественных изделий, долгое время занималась авторской росписью матрешек в стиле русских народных сказок.
С 2023 года посвятила себя живописи, тогда же стала членом Союза русских художников. Работает с различными медиумами, но наиболее используемыми материалами остаются масло и холст. Развитие профессиональных навыков продолжает по сей день, обучаясь в мастерских известных современных художников.
В своих произведениях Марина Овсейчик придает большое значение изображению фактуры, ее исследованию с точки зрения многообразия природы. В работах почти всегда присутствуют легкая дымка, загадочная туманность, таинственный свет, что располагает к задумчивости и наводит на мистическое прочтение картин.
Автор активно участвует в выставочной деятельности. Экспонировала работы на выставке «Верность традициям — Уникальная Россия» (Москва, 2024). Заняла второе место на выставке «Объединенные искусством» (Мехико, 2024) в номинации «Символизм». Участвовала в серии международных выставок «Живописная Россия» в Китае (Пекин-Чэнду, 2024), серии проектов «Белая трость» в Центре социальной интеграции Дианы Гурцкая (Москва, 2025). Является победителем в номинации «Пейзажи. Футуристический пейзаж» на выставке «Многоцветный мир. Россия в гостях у Китая» (Пекин, 2025).
Художник, г. Сергиев Посад (Россия)
Марина Овсейчик окончила художественную школу, работала Сергиево-Посадском институте игрушки модельщицей восковых моделей, на Загорской фабрике игрушек художником по росписи высокохудожественных изделий, долгое время занималась авторской росписью матрешек в стиле русских народных сказок.
С 2023 года посвятила себя живописи, тогда же стала членом Союза русских художников. Работает с различными медиумами, но наиболее используемыми материалами остаются масло и холст. Развитие профессиональных навыков продолжает по сей день, обучаясь в мастерских известных современных художников.
В своих произведениях Марина Овсейчик придает большое значение изображению фактуры, ее исследованию с точки зрения многообразия природы. В работах почти всегда присутствуют легкая дымка, загадочная туманность, таинственный свет, что располагает к задумчивости и наводит на мистическое прочтение картин.
Автор активно участвует в выставочной деятельности. Экспонировала работы на выставке «Верность традициям — Уникальная Россия» (Москва, 2024). Заняла второе место на выставке «Объединенные искусством» (Мехико, 2024) в номинации «Символизм». Участвовала в серии международных выставок «Живописная Россия» в Китае (Пекин-Чэнду, 2024), серии проектов «Белая трость» в Центре социальной интеграции Дианы Гурцкая (Москва, 2025). Является победителем в номинации «Пейзажи. Футуристический пейзаж» на выставке «Многоцветный мир. Россия в гостях у Китая» (Пекин, 2025).
АНДРКАРТ
Художник-концептуалист, г. Москва (Россия)
Андрей Карташев работает под творческим псевдонимом АНДРКАРТ. Окончил МГИМО, но вместо классической карьеры выбрал путь художественного высказывания и работы с пространством. Позиционирует себя как художник-концептуалист, для которого важны не только форма и образ, но скрытые смыслы, контекст, взаимодействие зрителя с произведением.
Художник выступает учредителем и идейным вдохновителем декорационной компании «Опора Красного» — творческой мастерской, создающей миры для отечественного кинематографа, от исторических реконструкций до фантастических вселенных.
В основе художественного высказывания Андрея Карташева — обращение к древним истокам визуальной культуры: искусству Египта и Византии, прежде всего, к иконописной традиции. Автора интересует, как мастера прошлого заключали в одной композиции целые пласты смысла и богословского знания с помощью условного образа, символа, знака. В современном мире — в эпоху цифровых медиа, ускоренных ритмов, рассеянного внимания — созерцательное восприятие образов затруднительно.
Работы художника не стремятся имитировать каноническую икону. Осознанно допуская отступления от традиции, он переносит идеи и визуальные принципы в актуальный контекст, чтобы вернуть зрителю внимание к религиозным сюжетам и культурной памяти, которую они несут.
Художник-концептуалист, г. Москва (Россия)
Андрей Карташев работает под творческим псевдонимом АНДРКАРТ. Окончил МГИМО, но вместо классической карьеры выбрал путь художественного высказывания и работы с пространством. Позиционирует себя как художник-концептуалист, для которого важны не только форма и образ, но скрытые смыслы, контекст, взаимодействие зрителя с произведением.
Художник выступает учредителем и идейным вдохновителем декорационной компании «Опора Красного» — творческой мастерской, создающей миры для отечественного кинематографа, от исторических реконструкций до фантастических вселенных.
В основе художественного высказывания Андрея Карташева — обращение к древним истокам визуальной культуры: искусству Египта и Византии, прежде всего, к иконописной традиции. Автора интересует, как мастера прошлого заключали в одной композиции целые пласты смысла и богословского знания с помощью условного образа, символа, знака. В современном мире — в эпоху цифровых медиа, ускоренных ритмов, рассеянного внимания — созерцательное восприятие образов затруднительно.
Работы художника не стремятся имитировать каноническую икону. Осознанно допуская отступления от традиции, он переносит идеи и визуальные принципы в актуальный контекст, чтобы вернуть зрителю внимание к религиозным сюжетам и культурной памяти, которую они несут.
Дима Смольянинов
Современный художник, г. Москва (Россия)
Дима Смольянинов работает в стиле сюрреалистического фэнтези. Его работы выделяются необычной композицией, мягкой пастельной палитрой и фантастическими образами, наполненными мечтательной и загадочной атмосферой. Картины художника не несут конкретного послания. Любой смысл, который видит зритель, — плод его собственной фантазии и творческого восприятия. Художник стремится создать пространство для свободного воображения и личной интерпретации каждого, кто соприкасается с его искусством.
«Я стараюсь поймать ощущение остановленного момента. Как будто кто-то поставил на паузу странный, но приятный сон, из которого немного жаль просыпаться. Мне важно, чтобы мои картины вызывали легкое волнение, улыбку и просто удовольствие, чтобы их было приятно и интересно рассматривать, искать забавные детали. Я хочу дать зрителю визуальный импульс и свободу самому решать, что происходит на картине, наделить ее тем смыслом, каким он сам захочет. Если спросить меня, что происходит на картине, что хотел сказать автор, я честно отвечу: “Понятия не имею, а вам как кажется?”» — Дима Смольянинов.
Участие в выставках и публикации:
Dreams&Nightmares, Boomer Gallery (Великобритания, Лондон, 2025)
«4 сезона», Molbert Gallery (Россия, Санкт-Петербург, 2025)
«Пробуждение», арт-галерея «Летай» (Россия, Москва, 2025)
«Другие миры», арт-галерея «Летай» (Россия, Москва, 2025)
«Декоративное искусство ТСХР», галерея «Тушино» (Россия, Москва, 2025)
«В самом соку», винный бар «Дело не в вине» (Россия, Москва, 2025)
«Другой мир», галерея «Вдохновение» (Россия, Москва, 2025)
Публикация и интервью в Visual Art Journal, (США, 2025)
«Горячий лёд», Bohemian Art (Россия, Москва, 2025)
«Там, где жили наши сны», галерея S/LAY (Россия, Москва, 2026)
«Обратная связь», галерея «Квартира S», Artplay (Россия, Москва, 2026)
Современный художник, г. Москва (Россия)
Дима Смольянинов работает в стиле сюрреалистического фэнтези. Его работы выделяются необычной композицией, мягкой пастельной палитрой и фантастическими образами, наполненными мечтательной и загадочной атмосферой. Картины художника не несут конкретного послания. Любой смысл, который видит зритель, — плод его собственной фантазии и творческого восприятия. Художник стремится создать пространство для свободного воображения и личной интерпретации каждого, кто соприкасается с его искусством.
«Я стараюсь поймать ощущение остановленного момента. Как будто кто-то поставил на паузу странный, но приятный сон, из которого немного жаль просыпаться. Мне важно, чтобы мои картины вызывали легкое волнение, улыбку и просто удовольствие, чтобы их было приятно и интересно рассматривать, искать забавные детали. Я хочу дать зрителю визуальный импульс и свободу самому решать, что происходит на картине, наделить ее тем смыслом, каким он сам захочет. Если спросить меня, что происходит на картине, что хотел сказать автор, я честно отвечу: “Понятия не имею, а вам как кажется?”» — Дима Смольянинов.
Участие в выставках и публикации:
Dreams&Nightmares, Boomer Gallery (Великобритания, Лондон, 2025)
«4 сезона», Molbert Gallery (Россия, Санкт-Петербург, 2025)
«Пробуждение», арт-галерея «Летай» (Россия, Москва, 2025)
«Другие миры», арт-галерея «Летай» (Россия, Москва, 2025)
«Декоративное искусство ТСХР», галерея «Тушино» (Россия, Москва, 2025)
«В самом соку», винный бар «Дело не в вине» (Россия, Москва, 2025)
«Другой мир», галерея «Вдохновение» (Россия, Москва, 2025)
Публикация и интервью в Visual Art Journal, (США, 2025)
«Горячий лёд», Bohemian Art (Россия, Москва, 2025)
«Там, где жили наши сны», галерея S/LAY (Россия, Москва, 2026)
«Обратная связь», галерея «Квартира S», Artplay (Россия, Москва, 2026)
Алексей Сергиенко
Художник, перформер, г. Москва (Россия)
Арт-бизнесмен, художник и йог Алексей Сергиенко — автор более тысячи проектов и создатель ряда известных арт-инициатив. Его работы находятся в Кремле, Государственной Думе, МИДе, Совете Федерации, а также в частных и государственных музеях.
В один день Алексей Сергиенко установил три мировых рекорда в искусстве: нарисовал 1191 картину, продал 723 из них и создал 7087 ромашек.
С проектом «Эмоциональный портрет» он участвовал в конференции TEDx в Швейцарии. Идея была связана с созданием изображения человека с помощью биения его сердца.
Среди наиболее известных проектов также — шоу «Небедный художник», арт-объект «Денежный трон» в соавторстве с Игорем Рыбаковым, арт-объекты «Лабиринт любви» и «Машина времени», а также «Золотой йог» и «Золотые гвозди».
Алексей Сергиенко является создателем Интерактивного музея современного искусства, техно-клуба TUNNEL, клуба-музея «Котельная Камчатка» и иммерсивного театра «Музей эмоций».
Художник, перформер, г. Москва (Россия)
Арт-бизнесмен, художник и йог Алексей Сергиенко — автор более тысячи проектов и создатель ряда известных арт-инициатив. Его работы находятся в Кремле, Государственной Думе, МИДе, Совете Федерации, а также в частных и государственных музеях.
В один день Алексей Сергиенко установил три мировых рекорда в искусстве: нарисовал 1191 картину, продал 723 из них и создал 7087 ромашек.
С проектом «Эмоциональный портрет» он участвовал в конференции TEDx в Швейцарии. Идея была связана с созданием изображения человека с помощью биения его сердца.
Среди наиболее известных проектов также — шоу «Небедный художник», арт-объект «Денежный трон» в соавторстве с Игорем Рыбаковым, арт-объекты «Лабиринт любви» и «Машина времени», а также «Золотой йог» и «Золотые гвозди».
Алексей Сергиенко является создателем Интерактивного музея современного искусства, техно-клуба TUNNEL, клуба-музея «Котельная Камчатка» и иммерсивного театра «Музей эмоций».